EXPOSICIONES
NOTA DE PRENSA
"MÁS ALLÁ DE LA FORMA"
EXPOSICIÓN COLECTIVA DE ARTE ABSTRACTO DE ONCE ARTISTAS PERUANOS
La exposición colectiva Más allá de la forma, curada por Mónica Arana, inaugura el próximo 4 de
noviembre en el cuarto piso de la Galería Martín Yépez del centro histórico de Lima. Esta actividad
reúne la obra en diversos formatos, soportes y técnicas de los artistas peruanos, de tendencia
abstraccionista, Alberto Montoro, Alvaro de la Puente, Chelin Pajuelo, Hector Montoro, Iván Uribe,
Manuel Elguera, Marcos Palacios, Sara Pérez, Vidal Bedoya, Yezzenia Sanchez y Yigal Dongo.
La propuesta curatorial ahonda en la libre expresión del arte no figurativo desde la mirada y
gestualidad plástica de diez artistas nacionales, contemporáneos e intergeneracionales que hallan en
la abstracción un medio para explorar el imaginario personal y crear, a partir de ello, nuevas
experiencias visuales acordes con sus intereses históricos, artísticos y sociales.
En palabras de la curadora, el artista que se identifica con el estilo abstracto se convierte en un
individuo excepcional que desafía las tendencias predominantes de la época. No busca en el exterior
lo que requiere ser plasmado en su obra, no es lo evidente, sino lo íntimo lo que lo mueve a imaginar,
trazar, mezclar y experimentar con el material sobre el soporte para transmitir un mensaje personal y
simbólico que puede encontrar en el observador un interés compartido.
Texto curatorial de Mónica Arana «El artista crea misteriosamente la verdadera obra de arte por vía mística. Separada de él, adquiere vida propia y se convierte en algo personal, un ente independiente que respira de modo individual y que posee una vida material real». —Vasily Kandinski
Acerca del espacio La Galería Martín Yépez es un espacio emergente que nace producto de la autogestión, con el auspicio de la financiera Prestaclub, en el edificio Hidalgo, frente a la Plaza San Martín, en el Centro Histórico de Lima. Este proyecto con miras a convertirse en un centro cultural, dirigido por el artista peruano Martín Yépez, tiene como objetivo ser un referente de la mediación entre el arte y el público, destacando la libertad de expresión de los artistas que forman parte de su programación cultural.
NOTA PRENSA
ABSTRACCIONES DE LA MATERIA EN MOVIMIENTO
II INDIVIDUAL DEL ARTISTA ALBERTO MONTORO
El Centro Cultural de Ate Vitarte se enorgullece en presentar la exposición "Meditaciones y Abstracciones de la Materia en Movimiento" II Individual del destacado artista peruano Alberto Montoro. La muestra estará disponible al público desde el 22 de septiembre hasta el 22 de noviembre. Esta exposición contará con un total de 40 obras y una instalación especial, donde Montoro explora conceptos como la "Unidad y Colaboración", en consonancia con la conmemoración del Bicentenario de nuestra nación.
Alberto Montoro describe su enfoque artístico de la siguiente manera: "Mi principal interés radica en la abstracción de la naturaleza en sus diversas manifestaciones. Esto me ha llevado a investigar 'lo desconocido' a través de la ciencia, especialmente en el campo de la física cuántica. En algunas de mis obras, intento representar tanto el microcosmos como el macrocosmos. También he abordado cuestiones sociales, expresando ideas sobre la energía, los espacios y las conexiones dentro de las comunidades migrantes, así como la ocupación de nuevos territorios y su evolución".
La obra de Montoro se expresa a través de colores, texturas, formas y líneas que buscan capturar la esencia de la realidad, plantear cuestiones profundas relacionadas con la física cuántica y explorar lo infinitamente pequeño. Esto lo conduce a una reflexión filosófica sobre la materia en sus formas más fundamentales e intangibles. Su contribución es significativa para la historia del arte peruano, ya que se inscribe en la generación de abstraccionistas peruanos tardíos, quienes comparten afinidades con el arte abstracto europeo del siglo XX. Es relevante mencionar que los precursores estilísticos de Montoro pertenecen a la generación temprana de 1947, que incluye nombres como Fernando de Szyszlo, Alfredo Ruiz Rosas, Carlos Aitor Castillo, Jorge Piqueras y Manuel Ugarte Eléspuru, entre otros.
Un análisis de las corrientes estéticas e ideológicas en la primera mitad del siglo XX peruano, realizado por el investigador Alfredo Castrillón Vizcarra en su libro "Tensiones Generacionales", destaca la tensión entre dos grupos principales: la corriente figurativa, que se inspira en el indigenismo, y la corriente abstracta, promovida por el grupo Espacio. La obra de Alberto Montoro demuestra que en pleno siglo XXI, el arte abstracto peruano puede florecer de manera renovada.
Una característica fundamental de la propuesta artística de Montoro es su búsqueda de la identidad peruana. Sus obras reflejan la esencia del arte abstracto presente en las culturas prehispánicas y la incorporación de textiles en sus lienzos. Esto se traduce en una preocupación pictórica por la armonía de colores y pensamientos. Su obra se destaca por su mirada hacia temas sociales locales y universales. En resumen, su obra es una meditación sobre la materialidad intangible, aquella que no es visible a simple vista pero que existe en niveles supra sensoriales, orgánicos y sagrados. La investigación artística de Montoro abarca tanto formas macroscópicas como las relaciones sociales que forman parte de nuestra realidad tangible.
La curadora de la muestra, Mónica Arana, destaca la influencia de Kandinsky en la obra de Montoro, especialmente en el uso del color, las formas, las texturas y los materiales. Estos elementos permiten a los espectadores experimentar diversas sensaciones, emociones y estados de la materia. La obra principal de la exposición, "Obstrucción del Infinito", invita a una reflexión profunda sobre el concepto del infinito, como lo exploraron filósofos como Aristóteles y Hegel. Esta obra plantea la interconexión entre lo material y lo espiritual, alentando a los espectadores a considerar la importancia de contemplar el infinito en la realidad y a reflexionar sobre la existencia de lo trascendental. En última instancia, "Obstrucción del Infinito" desafía a los observadores a trascender las limitaciones materiales y a explorar las verdades esenciales que existen más allá de ellas.
NOTA DE PRENSA
EL PASAR DE UN AVE
II INDIVIDUAL DE LA ARTISTA LILIAN CAVERO
Lilian Cavero es una artista autodidacta que nació en Puerto San Juan de Marcona, Perú. Desde el año 2006, se ha dedicado a estudiar técnicas artísticas como el óleo, el acrílico, la monotipia y la acuarela. Las primeras copias de paisajes y animales que realizó tuvieron muy buena aceptación. Después de asistir algunos talleres de arte y aprender retrato, se sintió atraída por el arte abstracto, pues era un estilo acorde a sus ideas estéticas y espirituales, sobre todo porque le permitían una libertad creativa sin limitaciones.
"El Pasar de un Ave" es una propuesta que pretende atrapar la transitoriedad del momento presente. Por ello, abundan los trazos rápidos y violentos. El ahora es objeto de una profunda meditación donde se hallan dualidades, conflictos, ambigüedades y luchas por conectar lo más genuinamente posible con el mundo.
Algunos críticos de arte se han manifestado a favor de la originalidad de Cavero.
Darío Voltolini (Turín, Italia) escritor, guionista e intelectual, menciona lo siguiente: "Llevo algunos años siguiendo el trabajo artístico de Guadalupe Lilian Cavero y lo encuentro de gran calidad. Es sorprendente cómo Guadalupe Lilian Cavero logra obtener tantos resultados evocadores, sensuales y cuasi figurativos al tratar la cuestión de los colores de esta manera estructuralmente abstracta. Veo en ella una sensibilidad cromática segura y muy original, sustentada en una forma particular de amor por cada matiz. Me parece increíble su equilibrio entre elegancia y fuerza. De los muchos talentos de Guadalupe Lilian Cavero he aprendido a apreciar sobre todo el arte de la composición, que para mí siempre parece haber sido inventada de nuevo. También hay que apreciar la total sinceridad de Guadalupe Lilian Cavero hacia su propia obra: sin trucos, sin tecnicismos, pero con mucha elegancia, mucha pasión y un gusto estético sublime. Creo que estamos ante un gran talento natural con una gran técnica: las espátulas que utiliza parecen ser extensiones de su cuerpo, no simples herramientas"
Y la crítica de arte y artista Jacqueline Remy (Bordeaux, Francia) comenta respecto de su obra: "Una fuerte y poderosa abstracción del género, enfadado, rápida y activa. En la imaginación empujada al extremo. Es como el comienzo de un himno a los elementos que importan a las formas. Parece que quiere rendir homenaje al agua, el aire y la tierra que la llevan en su creación".
Asimismo, la curadora Mónica Arana afirma que "La creación y el arte le han permitido ejercitar la comunicación entre el mundo visible y el invisible, experimentar lo sublime, lo espiritual, que se manifiestan mediante un suave comando de precisión, lo que Jung definiría como la "materia subliminal" adentrarse en el inconsciente, y revelarlo en el arte de una manera que lo hace consciente a la percepción y el entendimiento"
Podemos identificar dos etapas en su producción: tanto la primera (2015 – 2018), como la segunda etapa (2019 - 2022) se caracterizan por la experimentación. El uso del soporte es la cartulina, la técnica es mixta (acrílico, tiza, lápices, spray, marmolina entre otros), y en sus obras apreciamos trazos rápidos, precisos y espontáneos. Su proceso creativo tiene la peculiaridad de ser automático, fluido y hay un factor sorpresa dominante, cada obra le revela un mensaje muy personal al creador y se complementa con la sensibilidad del espectador.
Apreciamos un lenguaje propio que se hace visible a través de los colores, formas recurrentes. El uso de la marmolina es algo muy novedoso y lo vemos en un grupo de obras que en su mayoría pertenecen a su primera etapa que es muy diversa por el uso variado de los recursos técnicos.
Su obra titulada "Nocturno 21"y las tituladas "Red serie 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7"demuestran la consolidación de un estilo muy personal, resaltan los colores bien pensados y colocados (negro, celeste, rojo y gris), logra matizarlos armoniosamente y consigue encaminarse a una síntesis cromática y formal. La artista nos presenta su mundo interior, la afirmación de lo caótico y bello en la unidad de la consciencia que transita la gravedad de lo físico, la sutileza de la mente consciente, y la fuerza creadora del inconsciente que se manifiesta con total libertad del libre albedrío.
La muestra estará disponible del 28 de febrero al 28 de marzo de 2023.
"SUPERVIVENCIA OSCURA Y LUMINOSA DE MUNDOS POSIBLES"
I INDIVIDUAL DEL ARTISTA GIANCARLO PONCE
El Centro Cultural de Ate Vitarte presenta la propuesta del artista Giancarlo Ponce. Se trata de una serie de obras cuyo objetivo es plantear la existencia de otras formas de vida orgánica en otros ambientes desconocidos, en espacios y tiempos infinitos.
Las obras presentadas son el producto de un trabajo permanente de 7 años en los que se ha dedicado incansablemente a imaginar estos mundos (2015 - 2022). En más de 30 obras, refleja una de las preguntas que siempre ha causado curiosidad en el ser humano: ¿Cómo será la vida en otros mundos? A partir de este interrogante, ha tratado de responder con su imaginación, ha explorado los niveles de su propia psique y el inconsciente colectivo al que hace referencia a la teoría de los arquetipos estudiados por Carl Jung.
Algunas de sus obras están inspiradas en el "Codex Seraphinianus ", obra del artista, arquitecto y diseñador industrial italiano Luigi Serafini. En ella, podemos apreciar un mundo imaginario de criaturas perturbadoras circundadas por una estética de la fealdad. Las formas que apreciamos en sus trabajos son perturbadoras, criaturas en lucha por la supervivencia, cumpliendo un ciclo de vida y muerte. Expresan emociones humanas, representadas a través del color y las formas. En ellas, plasma su sensibilidad y su lado humano.
Mónica Arana Curaduría
"HÉROES Y HEROÍNAS DEL BICENTENARIO"
I INDIVIDUAL DEL ESCULTOR DANIEL BARRETO
El Centro Cultural de Ate Vitarte presenta la exposición escultórica de Daniel Barreto. Del 06 de octubre al 06 de noviembre, bajo la cocuraduría de Mónica Arana y Jorge Gabriel Vásquez, se podrán apreciar un conjunto de obras escultóricas que fueron realizadas para la conmemoración de los 200 años de independencia del Perú.
Daniel Barreto: "Héroes y Heroínas del Bicentenario" nos presenta una serie de esculturas inspiradas en los personajes históricos que contribuyeron a construir el ideal de nación peruana a través de sus acciones heroicas. Entre los líderes militares tenemos a Miguel Grau y Andrés Avelino Cáceres. Asimismo, entre las mujeres heroínas figuran María Elena Moyano, María Parado de Bellido, Ruth Buendía y Máxima Acuña. A estos personajes se suman personalidades que rememoran el pasado incaico como Pachacútec y un anónimo guerrero Inca; además , para una visión más transversal del bicentenario se añade la visión religiosa del Perú mediante "El Señor de los Milagros" y el arte se hace presente a través del poeta universal César Vallejo; los cuales representan la lucha por la dignidad, mostrando la fuerza motora que hace posible el cambio, que impulsa y representa los momentos históricos que nos definen en la actualidad, como una Nación que se construye y renueva.
Las obras nos recuerdan que los 200 años de independencia se han construido con coraje y valentía constante.
Mónica Arana y Jorge Gabriel Vásquez
RAÍCES - IX INDIVIDUAL
Luis Parhuay nos ofrece la exposición "Raíces". En ella, pretende hacernos conscientes de nuestros orígenes mediante una serie de retratos que representan parte de la cultura andina actual. Esta muestra nos recuerda que, si bien es cierto que la población peruana en su mayoría es mestiza, es también cierto que somos descendientes de la cultura andina que engloba a muchas etnias que se asentaron en diversas áreas de los andes peruanos.
De esta forma, Parhuay nos ofrece una visión que resalta la importancia del hombre andino, su cultura y su imaginario antes que su valor comercial. Sus cuadros nos recuerdan a los indigenistas de los años 30 que, en trabajo común, se propusieron ir al rescate de la ancestral cultura de la sierra peruana. Al igual que las obras de algunos de ellos, las representaciones gozan de un alarde de dignidad y cromatismo que enriquece la visión del espectador y se inspira en los variopintos paisajes de la sierra peruana. Cabe señalar que muchos de ellos están inspirados en relatos de la provincia de Anta, la provincia natal del artista. Asimismo, los estudios anatómicos se realizaron en el espacio que él mismo que comparte con los retratados. Los preciosos diseños textiles que apreciamos en algunas de las obras proceden de talleres reales cusqueños que sobreviven hasta la actualidad. Esta tradición se mantiene con la idea de representar la identidad de cada retratado.
En cuanto a la técnica, podemos afirmar que Parhuay, pese a su juventud, es dueño de un gran abanico de recursos técnicos en cuanto a dibujo, y manejo de la técnica del óleo y el acrílico. Su trazo es figurativo y sus retratos son vivos; sin embargo, su manejo de color nos recuerda que no estamos ante una fotografía, sino ante el punto de vista del artista sobre su propia sociedad.
Mónica Arana
Curaduría
"IMÁGENES PARADIGMÁTICAS"
BIPERSONAL DE SHERMAN MELÉNDEZ Y DANIEL VARGAS
Proyecto seleccionado para participar en la Bienal Independencia, organizado por el Patronato de Cultural Cusco.
Existen muchas imágenes que relacionamos "naturalmente" con hechos de nuestra historia nacional; por ejemplo, el cuadro "La proclamación de la independencia" de Juan Lepiani. A ello, debemos sumar un corpus variado de fotografías y cartografías que complementan este conjunto iconográfico. El discurso oficial sobre el pasado contrasta con nuestras vivencias cotidianas.
Por ello, planteamos mostrar un conjunto de visiones que representan el Perú hoy, a partir de sus personajes y escenarios habituales. De esta forma, se crean unas nuevas "imágenes paradigmáticas" que mañana serán parte de la historia.
Este proyecto presenta dos propuestas plásticas de los artistas peruanos Daniel Vargas Rodríguez y Sherman Meléndez como parte de la Bienal de Arte Cusco 2021.
La serie de obras de Daniel Vargas pretenden representar nuestra relación, muchas veces caótica, con el espacio público. El artista se centra en Lima, ciudad de todas las sangres, donde confluyen diversas tradiciones culturales, debido a la migración que tuvo su auge durante la segunda mitad del siglo XX. Debemos tener en cuenta que el Estado nunca estuvo preparado para recibir tantas personas en la capital. El gobierno no pudo solucionar las demandas y necesidades de los nuevos vecinos limeños. Por ello, fueron los propios vecinos recién llegados, quienes se tuvieron que organizar para cubrir sus necesidades: ollas comunes, comités, lotización, etc. El Estado entró en crisis y se desbordó como bien apuntó el antropólogo José Matos Mar. Lo representado por Daniel Vargas es parte de ese legado. Otro grupo de obras es el conjunto histórico que representa de manera sutil en su obra titulada "Limites" donde representa el problema limítrofe entre Perú y Chile. También presentamos dos pinturas de dos lugares icónicos como son la obra titulada "Café Extra" se trata de la representación de una cafetería ubicada en el centro histórico de Cusco, punto de encuentro de muchos intelectuales de Latinoamérica, en esta obra Daniel Vargas hace participe al espectador mostrando una composición a escala en la que el espectador pueda incorporarse a la obra y la obra titulada "Ciro" que nos presenta a un bar muy popular ubicado en el centro de Lima, en su momento muy concurrido por jóvenes intelectuales, en su mayoría hijos de migrantes provincianos. La propuesta de Sherman Meléndez busca concientizarnos sobre los múltiples roles de las mujeres en el Perú actual.
Mónica Arana y Dusan Fuentes
Curaduría e investigación
Descargar catalógo digital
REAPRENDER LA HISTORIA DEL PERÚ EN EL BICENTENARIO
COLECTIVO CULTIVARTE
Existen muchas imágenes que relacionamos "naturalmente" con hechos de nuestra historia nacional; por ejemplo, el cuadro "La proclamación de la independencia" de Juan Lepiani. A ello, debemos sumar un corpus variado de fotografías y cartografías que complementan este conjunto iconográfico.
El discurso oficial sobre el pasado contrasta con nuestras vivencias cotidianas. Por ello, planteamos mostrar un conjunto de visiones que representan el Perú hoy, a partir de sus personajes y escenarios habituales. De esta forma, se crean unas nuevas "imágenes paradigmáticas" que mañana serán parte de la historia.
Las propuestas visuales del "Colectivo Artístico CultivArte" (Luis Parhuay Ccallo, Rossi del Pilar Acurio, Nataly Pumayalli, Andrea Silva, Brian Laime Mejia, María José Jordán Pino, Hector Lavoe Zeña Santander, José Miguel Venero Martinez, Raphael Santa Cruz Zavala, Rocio Ruth Sulca Quintanilla) con su lema "Juntos somos parte del cambio" presentan un conjunto de obras elaboradas con múltiples técnicas, cuyo tema principal es la crítica social y política a los acontecimientos más relevantes de nuestra vida republicana.
Reaprender la historia de la República del Perú no significa dejar de lado lo que sabemos, por el contrario, la intención del proyecto es debatir episodios complicados la república, como las guerras civiles del siglo XIX o las lamentables masacres del siglo XX, con el afán de que formen parte de nuestra memoria colectiva.
Mónica Arana y Dusan Fuentes
Curaduría e investigación
